Los Grammy

Foto: Cortesía de Olen

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En el episodio debut de Hip-Hop Re:Defined, una serie de presentaciones limitadas que celebra el 50 aniversario del hip-hop, el cantante y compositor del condado de Orange, Olen, ofrece una brillante interpretación de "Heartbeat" de Childish Gambino.

Debajo de toda la fanfarronería sexual del sencillo de 2011 de Childish Gambino, "Heartbeat", hay una espesa niebla de anhelo y anhelo. Y un cantante y compositor como Olen es perfecto para descubrir su esencia emocional e imbuir los nítidos raps de Donald Glover con una melodía contagiosa.

Respaldado por guitarra, bajo, batería y teclados, el artista radicado en el condado de Orange evoca las emociones fracturadas de "Heartbeat" con facilidad. "Quería que supieras/ Que estoy listo para partir, latido del corazón/ El latido de mi corazón", canta Olen sobre una almohada de sintetizadores. "Quería que supieras/ Cuando estás cerca, no puedo hablar/ No puedo hablar".

En el episodio inaugural de Hip-Hop Re:Defined, una serie limitada que rinde homenaje a algunos de los grandes éxitos del hip-hop, con motivo del 50 aniversario del género, mira esta evocadora actuación de un entusiasta intérprete.

Armani White, Bizzy Banks y Asha Imuno se encuentran entre los artistas incluidos en esta serie de 10 episodios. Hip-Hop Re:Defined se publicará semanalmente durante seis episodios y luego comenzará a publicarse cada dos semanas durante el resto de la serie.

¡Mira esta potente actuación arriba y sigue visitando GRAMMY.com para ver nuevos episodios de Hip-Hop Re:Defined!

Seis artistas que ampliarán los límites del hip-hop en 2023: Lil Yachty, McKinley Dixon, Princess Nokia y más

Foto: Cortesía de 41

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El trío de hip-hop 41 cambia con entusiasmo el micrófono por una versión hipnótica del sencillo nominado al GRAMMY de DMX, "Party Up (Up in Here)".

Veintitrés años después de su lanzamiento, "Party Up (Up in Here)" de DMX sigue siendo un elemento básico de los eventos en vivo y las listas de reproducción de fiestas a nivel mundial. Pero más allá de su irresistible melodía y estribillo, "Party Up" fue uno de los primeros temas de distorsión que triunfaron en las listas de éxitos (y nominados al GRAMMY), cuando el nativo de Compton desafió con orgullo a sus oponentes a "encontrarse conmigo afuera".

En este episodio de Hip-Hop Re:Defined, mira al trío de rap en ascenso 41 ofrecer una versión alegre de "Party Up". Y tal como sugiere el título, los tres raperos se divierten durante toda la actuación con contagiosos movimientos de baile e improvisaciones armoniosas.

Su naturaleza despreocupada y su determinación de divertirse se han convertido en un sello distintivo del sonido de 41, incluidos sus últimos sencillos, "Fetty", cuyas letras son una paronomasia que hace referencia a la estrella del rap Fetty Wap, y "Bent". En abril lanzaron su álbum debut, 41 Ways.

Presiona reproducir en el video de arriba para ver la enérgica versión de 41 de "Party Up (Up In Here)" de DMX y vuelve a visitar GRAMMY.com para ver más episodios nuevos de Hip-Hop Re:Defined, una serie limitada que celebra el hip- 50 aniversario del lúpulo.

Una guía del hip-hop de Nueva York: analizando el sonido del lugar de nacimiento del rap desde el Bronx hasta Staten Island

Foto: Cortesía de Asha Imuno

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La recién llegada al rap Asha Imuno ofrece una versión alegre del éxito "i" de Kendrick Lamar, ganador del GRAMMY, una de las muchas pistas que inspiraron el sonido del próximo proyecto de Imuno, 'PINS & NEEDLES'.

Al crecer en Compton, California, Kendrick Lamar nunca pensó que vería el día en que sería feliz, confiado y, lo más importante, esperanzado. Pero su sencillo principal de To Pimp A Butterfly de 2015, "i", demuestra que la realidad no era tan descabellada, incluso cuando se enfrentaba a la violencia armada y la brutalidad policial.

En este episodio de Hip-Hop Re:Defined, el recién llegado al rap Asha Imuno ofrece su interpretación de "i", que le valió a Lamar Mejor Interpretación de Rap y Mejor Canción de Rap en los GRAMMY 2015. Aunque el instrumental maravilloso de la canción original permanece, Imuno agrega un toque personal a su versión con un nuevo estribillo.

"Y me amo a mí mismo/ El mundo es un gueto con armas grandes y carteles de piquetes/ Y me amo a mí mismo/ Pero ellos pueden hacer lo que quieran, cuando quieran, no me importa", canta. "Y me amo a mí mismo/ Dijo que tengo que levantarme, que hay más en la vida que el suicidio".

Imuno es fanático de Lamar desde hace mucho tiempo y, según un comunicado de prensa, su próximo álbum, PINS & NEEDLES, se inspiró en gran medida en To Pimp A Butterfly de Lamar. El 14 de junio, Imuno lanzó el primer sencillo de su proyecto debut, "PUSHING BUTTONS".

Presiona reproducir en el video de arriba para escuchar la edificante versión de Asha Imuno de "i" de Kendrick Lamar y vuelve a visitar GRAMMY.com para ver más episodios nuevos de Hip-Hop Re:Defined, una serie limitada que celebra el 50 aniversario del hip-hop.

50 artistas que cambiaron el rap: Jay-Z, The Notorious BIG, Dr. Dre, Nicki Minaj, Kendrick Lamar, Eminem y más

Imágenes fuente (en el sentido de las agujas del reloj, LR): Raymond Boyd/Getty Images; Astrida Valigorsky/Getty Images; Kevin Winter/Getty Images para La Academia de la Grabación; Gregory Bojórquez/Getty Images; Paul Natkin/WireImage; Antonio Barboza/Getty Images; JC Olivera/WireImage; Kevin Kane/Getty Images para El Salón de la Fama del Rock and Roll; Clarence Davis/NY Daily News Archive vía Getty Images; Jason Koerner/Getty Images

lista

En honor al 50 aniversario del hip-hop este año, GRAMMY.com celebra a algunos de los artistas más impactantes del género a lo largo de las décadas. Desde Drake hasta OutKast, desde Lauryn Hill hasta Lil Wayne, estos pioneros dieron forma al rap durante los últimos 50 años del hip-hop.

En esencia, el hip-hop comenzó como una expresión alegre, un método de organización comunitaria de base y una salida para rebelarse creativa y libremente contra la agitación socioeconómica que ocurría en todo Estados Unidos a principios de los años 70. El origen mítico del género sigue siendo una parte integral de la historia estadounidense: desde la sala de recreación de 1520 Sedgwick Avenue, un edificio de apartamentos de 18 pisos en el sur del Bronx, Nueva York, DJ Kool Herc cautivó al público joven y mayor mientras dominaba el tocadiscos en una fiesta de cumpleaños de su hermana, Cindy Campbell, mientras los MCs Theodore Puccio y Coke La Rock gritaban rimas sobre los ritmos instrumentales de Herc.

Si bien hay evidencia de que los elementos fundamentales del hip-hop surgieron mucho antes de que surgiera de esa fiesta del sur del Bronx (escuche "Here Comes The Judge" de Pigmeat Markham de 1968, por ejemplo), este día trascendental, el 11 de agosto de 1973, conocido como el origen del hip-hop, siendo Herc el padre fundador del género.

Lo que comenzó como un sonido local y una escena floreciente en el "Boogie Down Bronx" desde entonces se ha convertido en un movimiento global. Hoy en día, el hip-hop es una fuerza poderosa y sin complejos que ha influido en todos los géneros musicales y ha impactado todas las facetas de la sociedad y la cultura pop en todo el mundo. Durante las últimas cinco décadas, el sonido se ha expandido como una invención de múltiples géneros. Las rimas alegres y estimulantes de "Rapper's Delight" de Sugarhill Gang, el primer éxito mundial del rap, allanaron el camino para los penetrantes comentarios sociales y el "reality rap" que alimentaron el exitoso sencillo de Grandmaster Flash & the Furious Five, "The Message, " El último de los cuales se remonta a los profetas del rap actuales como Kendrick Lamar y Noname.

Mientras el mundo celebra el 50 aniversario del hip-hop este año, GRAMMY.com rinde homenaje a algunos de los artistas, productores y creadores más impactantes del género en nuestra lista inaugural de 50 artistas que cambiaron el rap. A través de esta amplia lista, rendimos homenaje a los pioneros, creadores y futuristas que dieron forma a la cultura hip-hop, ampliaron los límites artísticos del rap durante las últimas cinco décadas y continuaron haciendo evolucionar el sonido hacia el futuro.

Para ser claros, esta lista no es una clasificación de los "mejores" raperos, ni es una recopilación basada en votaciones de los artistas más vendidos del hip-hop. Más bien, pretende servir como un estudio de algunos de los artistas más influyentes e impactantes que han dado forma a la música rap y la cultura hip-hop durante los últimos 50 años.

Para ayudar a compilar nuestra lista de estos 50 artistas influyentes, GRAMMY.com invitó a un panel de la industria de veteranos de la música establecidos, periodistas culturales y musicales, autores publicados e historiadores de la música, quienes colectivamente presentaron cientos de sugerencias de artistas. (Consulte la lista completa de colaboradores a continuación). Con base en estas presentaciones iniciales de nuestro panel de la industria, los artistas que componen la lista final, presentada a continuación sin ningún orden de clasificación, fueron seleccionados en función de una gama amplia pero vaga de indicadores: impacto creativo y artístico. ; evolución profesional y longevidad; álbumes clásicos e influyentes; y más allá.

Por supuesto, ninguna lista podría jamás contener todo el hip-hop y su alcance cada vez mayor. Tampoco se podría reducir una lista de raperos influyentes a una simple lista de 50. Se trata de una hazaña imposible. Más bien, nuestra lista de 50 artistas que cambiaron el rap es una carta de amor a algunos de los momentos decisivos de la cultura y a las voces impactantes que han ayudado a crear un movimiento global que continúa inspirando e impulsando a las generaciones futuras de todos los ámbitos de la vida.

"A medida que nos acercamos al 50 aniversario del hip-hop, es importante reconocer todos sus logros y a las personas que lo integran", comparte Len Brown, gerente senior de proyectos de premios y gerente de géneros de rap, reggae y R&B de la Academia de la Grabación. "Lo que alguna vez se consideró una moda pasajera se ha convertido en el género más grande del mundo a pesar de ser el más joven, todo esto fue posible gracias a las mentes ingeniosas que continuamente traspasan los límites de la música. Hay innumerables personas que nos han llevado hasta aquí y muchos más que nos han llevado hasta aquí. Continuaremos llevando la cultura durante los próximos 50 años y más".

Hay mucho más que decir sobre nuestra querida cultura hip-hop. Su historia es rica y profunda, mientras que su futuro aún está siendo escrito por las principales luces de hoy y las nuevas voces emergentes que revolucionan el rap. Hoy te ofrecemos esta lista como punto de partida para celebrar el hip-hop en todo su esplendor mientras honramos los 50 años del hip-hop durante todo el año.

Explora la música de cada artista incluido en nuestra lista de 50 artistas que cambiaron el rap en una lista de reproducción exclusiva, seleccionada por Kevin L. Clark, colaborador de GRAMMY.com y creador de tendencias del hip-hop desde hace mucho tiempo, en Amazon Music, Spotify, Apple Music y Pandora.

Visita nuestra página de género Rap para obtener más contenido exclusivo y explorar algunos de los momentos más memorables del rap en la historia de los GRAMMY a lo largo de las décadas. Continúe visitando GRAMMY.com para obtener más contenido exclusivo de 50 años de hip-hop durante todo el año.

- Kevin L. Clark y John Ochoa

Todos los elementos excitantes y atrevidos del arte del hip-hop (éxitos desde "Anaconda" de Nicki Minaj hasta "WAP" de Cardi B y Megan Thee Stallion y "Pound Town" de Sexyy Red) tienen una deuda considerable con el cuarteto de rap de Miami 2 Live Crew. Cuando las regiones del oeste y sur de Estados Unidos dieron a conocer por primera vez su presencia en el hip-hop a finales de la década de 1980, 2 Live Crew ("Uncle Luke" Campbell, el fallecido Fresh Kid Ice, Brother Marquis, DJ Mr. Mixx) introdujeron el fondo- El pesado sonido del bajo de Miami a la cultura con su obsceno sencillo de 1986, "Throw the D." Siendo pioneros en un clima de fiesta de fraternidad que incorporaba artistas escénicas influenciadas por strippers y material cómico y sexualmente explícito en The 2 Live Crew Is What We Are (1986) y Move Somethin' (1988), el grupo pronto entró en conflicto con las autoridades que consideraban sus álbumes legalmente obsceno, convirtiéndose en el primer acto en publicar la primera grabación de sonido declarada obscena.

2 Live Crew, el primer acto en la historia de la música en lanzar versiones "limpias" y sin malas palabras de sus álbumes, luchó en batallas legales por su libertad de expresión que finalmente fallaron a favor del grupo. En juicios por obscenidad a principios de los años 90 relacionados con el exitoso álbum de The Crew de 1989, As Nasty as They Wanna Be, cuya venta fue declarada obscena e ilegal en 1990, el grupo fue finalmente absuelto de los cargos, y el Tribunal del Circuito 11 de EE.UU. Recursos que sostienen que la música tenía valor artístico, a pesar de su contenido gráfico. A través de estos casos legales, 2 Live Crew surgió como los defensores más improbables de la libertad de expresión, con defensores de la Primera Enmienda y artistas importantes, incluido David Bowie, defendiendo por igual la libertad artística y la expresión protegida del grupo.

Otra escaramuza legal, en la que el grupo fue demandado por infracción de derechos de autor por una parodia que grabaron de "Oh, Pretty Woman" de Roy Orbison, llegó a la Corte Suprema. El Tribunal consideró que la música era una parodia y, por lo tanto, la autorizó como uso legítimo en lugar de infracción de derechos de autor; Este caso contra 2 Live Crew finalmente estableció que una parodia comercial está cubierta por las leyes de uso legítimo.

Hoy en día, 2 álbumes de Live Crew permiten al hip-hop una libertad de expresión sexual que infunde el trabajo de los actos actuales, desde Plies hasta City Girls. - Miles Marshall Lewis

2Pac, nacido Tupac Amaru Shakur, nació en el activismo; su madre, Afeni Shakur, y su padre biológico, William Garland, eran ambos Panteras Negras. Una vez dijo: "No digo que vaya a cambiar el mundo, pero garantizo que encenderé el cerebro que cambiará el mundo", una cita de hip-hop que sugiere que su influencia todavía está encendiendo cerebros para la metamorfosis. .

La carrera de rap de Shakur fue incubada por Digital Underground de Oakland, quien lo llevó de gira como roadie y bailarín y colaboró ​​con él. El espíritu políticamente consciente pero amante de los partidos de DU ayudó a inyectar algo de diversión en la ventaja de Shakur. Más tarde definiría esto como "THUG LIFE", que significa "el odio que les das a los bebés pequeños", un mantra eterno del hip-hop, también estampado como un tatuaje icónico en este torso, que sería muy imitado por los raperos. que deseaba seguir sus pasos.

Conocido por trabajar furiosamente en el estudio, Shakur sintió que moriría joven y quería dejar mucho atrás. Lanzó cuatro álbumes entre 1991 y 1996: 2Pacalypse Now, Strictly 4 My NIGGAZ…, Me Against the World y All Eyez on Me. También dejó suficiente material para siete álbumes póstumos: seis trabajos en solitario y un álbum en colaboración con Tha Outlawz. A lo largo de su discografía, habló de la verdad al poder, rapeando sobre las duras realidades de la vida en el barrio ("Changes"), el empoderamiento femenino ("Keep Ya Head Up") y el eterno amor maternal ("Dear Mama"). También sabía cómo cantar un himno de fiesta como el que se escucha en "California Love" y "I Get Around".

La vida y el legado de Shakur, asesinado en 1996, siguen siendo estudiados y valorados en la actualidad. Desde su aparición nunca antes escuchada en el clásico instantáneo de Kendrick Lamar, To Pimp A Butterfly, hasta Dear Mama, una aclamada serie documental sobre su relación con su madre, que se estrenó en abril en FX, la influencia de Pac nunca disminuirá; su reciente inauguración de la estrella del Paseo de la Fama de Hollywood es un testimonio de ese hecho. - Tamara Palmer

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El impacto de Curtis "50 Cent" Jackson, nativo de Queens, Nueva York, en el hip-hop es innegable y de gran alcance. En un lapso de aproximadamente 20 años, el rapero lanzó cinco álbumes de estudio exitosos, produjo una serie de programas de televisión exitosos, creó un sello discográfico, G-Unit Records, fundó su propia marca de coñac y participó en otras empresas comerciales fructíferas. . Su ubicación en esta lista es palpable.

Antes de su debut en un sello discográfico importante, los mixtapes de los años 50, incluido Guess Who's Back?, inundaron las calles y generaron una gran base de fans que ayudaron a lograr su gran éxito. Después de ser descubierto por Eminem y firmar con Shady/Aftermath Records, 50 trabajó con el legendario productor Dr. Dre para crear su exitoso álbum debut, Get Rich or Die Tryin' en 2003. Un éxito comercial, 9 veces platino, el álbum fundamental mostró al público La destreza lírica de los años 50, así como su alcance cruzado convencional. La evolución profesional, el talento y el éxito de 50 Cent han dejado una marca indeleble que será vista y sentida por las generaciones venideras. —Raquel McCain

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Compuesto por Q-Tip, el fallecido Phife Dawg, el miembro ocasional Jarobi White y el DJ Ali Shaheed Muhammad, A Tribe Called Quest ayudó a crear un espacio para los raperos (y los oyentes de rap) con una inclinación bohemia en su estética hip-hop. Formado por amigos de la escuela secundaria de Queens, Nueva York, el grupo estableció su propio sonido único mediante el uso de samples de jazz y rock, una práctica entonces poco ortodoxa para el hip-hop a principios de los años 1990. Al principio, ayudaron a crear un puente entre el jazz y el hip-hop, dos mundos que entonces a menudo se consideraban distantes y desconectados. El legendario bajista de jazz Ron Carter, por ejemplo, participó como invitado en el segundo álbum fundamental de A Tribe Called Quest, The Low End Theory, que marcó una de las primeras colaboraciones entre músicos de jazz y hip-hop.

Ampliamente consideradas obras maestras del género, People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1990), The Low End Theory (1991) y Midnight Marauders (1993), su trío inicial de álbumes, establecieron A Tribe Called Quest como inconformistas del género. visionarios sonoros y sonoros. El último álbum de estudio del grupo, We Got It from Here…Thank You 4 Your Service (2016), contó con apariciones de Elton John y Jack White, ejemplificando la reputación del grupo como pioneros del hip-hop alternativo que incluyen géneros.

La estética nacionalista cultural, afrocéntrica y de centro izquierda de A Tribe Called Quest los distingue como iconoclastas, claros antecedentes de artistas como OutKast, Kanye West, Tyler, the Creator y tantos otros. - Miles Marshall Lewis

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Antonio Hardy, también conocido como Big Daddy Kane, es el rapero favorito de tu rapero favorito: un técnico hábil y versátil con un atractivo carismático implacable. Su impecable estilo de los 80, repleto de trajes de terciopelo, accesorios dorados y un desvanecimiento de caña alta, acentuó sus innovadores esquemas de rima, perfeccionados desde su época como rapero de batalla de Brooklyn antes de vincularse con Juice Crew de Marley Marl junto a su amigo y colaborador Biz. Markie. Su sencillo debut, "Raw", fue una sensación underground, introduciendo un nuevo estilo de rima: rápida y en sincopación con complejos esquemas de batería sin sacrificar la articulación. Long Live the Kane, el primer álbum de Kane, es una muestra de su prodigioso talento en el micrófono: donde "Set It Off" desató su variedad de rimas vertiginosas con velocidad de locomotora, "Ain't No Half-Stepping" fue un paseo casual por metáforas extendidas, maximizando la textura suave e imponente de su voz mientras permanecía en el ritmo.

Kane era al mismo tiempo un MC poderoso y un símbolo sexual; se apoyaría en su atractivo de "loverman" con éxitos como "Smooth Operador", que encabezó las listas de éxitos, una exhibición relajada y pulida de delicadeza lírica sobre una mezcla de samples que incluyen "All Night Long" de Mary Jane Girls, Isaac Hayes "Do Your Thing" y "Sexual Healing" de Marvin Gaye. Kane logró ser el jugador, el asesino lírico, un escupe rimas afrocéntrico, todo en uno: un nivel de destreza que influiría en una serie de grandes que lo siguieron, desde Jay-Z. a Eminem, al Pensamiento Negro y a Notorious BIG - Shamira Ibrahim

Chief Keef comenzó su carrera como Ozzy Osbourne del rap, la figura más visible en una escena floreciente tan emocionante como controvertida. Pero durante la última década, se ha transformado en Brian Eno del hip-hop, realizando proyectos cada vez más extraños y manteniendo algo cercano al reconocimiento de un nombre de primera. Cuando Keef surgió a principios de la década de 2010 gracias a los estruendosos sencillos "I Don't Like" y "Love Sosa" y al apoyo de estrellas como Kanye West y 50 Cent, la industria musical parecía empeñada en pulir sus límites. El álbum resultante, Finalmente rico de 2012, obtuvo platino, pero dio a los fanáticos pocos indicios del enfoque de autor que definiría el resto de la carrera de Chief Keef.

Desde que evitó el éxito general, Keef ha perfeccionado sus excentricidades en una serie de excelentes mixtapes, incluido Thot Breaker (2017), un proyecto deliciosamente extraño lleno de melodías arrastradas y sintetizadores chirriantes. Como uno de los principales pioneros del taladro, su impacto más agradable en el rap quizás se escuche en las escenas de taladro internacionales que brotan en escenas underground de todo el mundo. Sin Keef, el taladro no sería el subgénero dominante del rap que es hoy. Con solo 27 años, Keef se ha adaptado a un papel no solo como el rapero favorito de su rapero favorito, sino también como uno de sus productores preferidos: ha creado paisajes sonoros maravillosamente extraños para Lil Uzi Vert, Coi Leray y YoungBoy Never Broke Again. -Grant Rindner

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Completamente innovador para su época, De La Soul anunció la entrada de los niños prodigio nerds a una cultura hip-hop entonces llena de machismo y bravuconería. Amigos de la escuela secundaria de los suburbios de Long Island, Nueva York, Kelvin "Posdnuos" Mercer, el fallecido Dave "Trugoy the Dove" Jolicoeur y Vincent Mason, también conocido como DJ Maseo, debutaron cuando eran adolescentes con el verbalmente obstructivo "Plug Tunin'" de 1988. Un magistral debut de larga duración, 3 Feet High and Rising (1989), contenía un amplio collage sonoro de muestras apiladas y fragmentos de sonidos muy diversificados, colocando a Sly Stone junto a Steely Dan y más allá.

El innovador estilo de producción llevó a una demanda por parte de Turtles, la banda de rock de los años 60 que exigía regalías por el uso de 12 segundos de su música en el álbum. Una decisión legal a favor de las Tortugas cambió las leyes de muestreo para siempre, pero De La Soul mantuvo la innovación en un catálogo de clásicos, incluidos De La Soul Is Dead, Buhloone Mindstate y Stakes Is High, que ahora, afortunadamente, está disponible en todos DSP para inspirar a las generaciones futuras. - Miles Marshall Lewis

"Queremos que todos sepan dónde está. Está justo aquí: '¡Yo! MTV Raps'". El tipo delgado con la camiseta naranja y la gorra de béisbol de MTV rapeando frente a la cámara todavía estaba a años de tener su propia comedia de situación, y aún más. aún de ser uno de los actores de cine más rentables del planeta. Pero si estuvieras viendo el episodio de estreno de “Yo! MTV Raps” el 6 de agosto de 1988, verías una cosa claramente: Will Smith explotó fuera de la pantalla. El chico era una estrella.

Will se asoció con el virtuoso DJ Jazzy Jeff y el beatboxer del grupo Ready Rock C, allá por 1985. En el momento de “Yo!” En su aparición, ya tenían dos álbumes en su haber, incluido He's the DJ, I'm the Rapper (1988). Ese disco, el primer álbum doble de hip-hop, aseguró el lugar del grupo en la historia. Las innovadoras habilidades de DJ de Jeff estuvieron al frente y al centro en canciones como "Jazzy's In The House" y "DJ On Wheels", mientras que Will aportó su encanto narrativo a "Parents Just Don't Understand" y "A Nightmare on My Street". Las letras de Will eran divertidas y universales: no era necesario ser del Bronx, ni siquiera del oeste de Filadelfia, para sentir miedo de Freddy Kreuger. Además, como recuerda Ann Carli, entonces ejecutiva de Jive Records, durante la filmación del video "Parents...", citado en el tomo indispensable de Brian Coleman, Check the Technique, vol. 2, "La cámara lo ama".

A partir de ahí, pasó a las carreras. Más canciones exitosas, estrellato en la televisión y el cine, saltar de aviones y todo lo demás. Pero todo comenzó con un grupo de rap que combinó dos talentos de talla mundial en un paquete ganador del GRAMMY que todo el mundo podría amar. - Shawn Setaro

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Clive "DJ Kool Herc" Campbell es una parte esencial de la historia del origen del hip-hop. Su hermana menor, Cindy Campbell, le pidió que tocara en un "Back to School Jam" que organizó para el 11 de agosto de 1973, muy parecido a los que organizó en la sala de recreación de 1520 Sedgwick Avenue. En la fiesta, hoy considerada el día en que nació el hip-hop, Campbell presentó su método de tocadiscos "tiovivo" en el que aislaba las rupturas instrumentales en discos de funk para los "beat boys" asistentes. Durante los años siguientes, a medida que crecía la leyenda de la fiesta, Campbell se estableció como uno de los mejores DJ de la zona, gracias en gran parte al enorme sistema de sonido que construyó y a la presencia de ayudantes: bailarines, MC y DJ novatos, seguridad: llamados Herculoides, en honor a la caricatura de Hanna-Barbera. En 1977, Herc fue víctima de un apuñalamiento en un club nocturno local, un incidente que los pioneros del Bronx creen que marcó el fin de su dominio y permitió que sus rivales lo superaran. Sin embargo, DJ Kool Herc sigue siendo una figura prometeica que provocó el inicio de lo que más tarde se conocería como hip-hop. Él es la razón fundamental por la que todos celebramos los 50 años del hip-hop este año. En noviembre, será incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. -Mosi Reeves

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Menos de 20 años después del apagón de la ciudad de Nueva York de 1977, donde los jóvenes negros de todos los distritos de la ciudad de Nueva York encontraron equipos de DJ y encontraron formas de utilizar la tecnología para lograr sus sueños, un hombre llamado Robert Earl Davis Jr., también conocido como DJ Screw, utilizó dos tocadiscos para cumplir sus sueños artísticos y, al mismo tiempo, convertir a Houston en una capital del rap. Cuando DJ Screw surgió en la década de 1990, el sonido de rap predominante y la técnica del DJ se centraban en la costa este y oeste. Pero cuando DJ Screw introdujo su estilo "cortado y atornillado", su técnica característica de DJ que desaceleraba los discos para crear espacios para que los ritmos fluyeran, se abrieron ventanas de oportunidad para que los raperos de todo Houston se unieran al grupo.

Creó un caleidoscopio, un portal teñido de púrpura donde los raperos sureños viajaron a través de la región y el tiempo para contar sus historias. No había una calle o avenida en Houston o el Sur donde los picados y atornillados no pudieran escucharse desde un auto o una ventana cercana. Le dio a Houston y al sur la oportunidad de ser escuchados dentro del bullicioso ruido del hip-hop de las dos costas. En los 23 años transcurridos desde su fallecimiento, su sonido entrecortado y atornillado ha sido utilizado por los mejores artistas del mundo (el autor de terror Jordan Peele ha utilizado sonidos entrecortados y atornillados en escenas y avances de películas exitosas como Nope and Us) y ha creado un punto de entrada para Houston para lograr el éxito cultural y musical mundial. Todo gracias a un hombre y sus tocadiscos. —Taylor Crumpton

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A principios de los 80, Douglas "Doug E. Fresh" Davis se ganó una reputación por la percusión vocal o "beatboxing" y grabó algunos sencillos de 12 pulgadas mientras colaboraba con artistas como Kurtis Blow y otros. En 1984, reclutó a un MC adolescente, Ricky "Slick Rick" Walters, para unirse a Doug E. Fresh & the Get Fresh Crew. En 1985, el grupo lanzó "The Show / La-Di-Da-Di", un disco de 12 pulgadas con certificación de oro que destacó tanto el talento de Fresh como maestro de ceremonias como la inolvidable voz con inflexión británica y las letras astutas e ingeniosas de Rick.

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Después de tomar caminos separados, los dos continuaron teniendo un gran impacto durante los primeros años de la época dorada del rap. Uno de los grandes artistas del hip-hop, Doug E. Fresh, obtuvo varios éxitos en los años siguientes, como "All the Way to Heaven" (1986), de inspiración espiritual, la protesta antidrogas "Nuthin'" y "I-Ight". (Está bien)" (1993). La destreza narrativa de Slick Rick y el uso de armonías vocales desafinadas, como se muestra en su álbum solista de platino The Great Adventures of Slick Rick, lo convirtieron en una gran influencia para las generaciones posteriores de raperos. Este año, recibió el premio Lifetime Achievement Award de la Academia de la Grabación. -Mosi Reeves

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Nacido como Andre Young en Compton, California, Dr. Dre es uno de los pioneros definitivos y pioneros del hip-hop. Ahora un veterano DJ, artista y productor, la historia pública de Dr. Dre comenzó como miembro de dos grupos muy diferentes e influyentes de Los Ángeles en los años 80: las estrellas electro World Class Wreckin' Cru y los íconos del rap gangster NWA; este último es el tema de una popular película biográfica de 2015, Directamente de Compton, y le valió a Dre el reconocimiento internacional por llevar la realidad y las luchas de la vida callejera del centro de la ciudad a la corriente principal de Estados Unidos.

Dr. Dre se llevó a casa el primero de sus siete premios GRAMMY hasta la fecha en 1994. Ese año, ganó el GRAMMY a la mejor interpretación solista de rap por "Let Me Ride" de The Chronic, su innovador álbum triple platino, que lanzó Celebraciones oficiales internacionales del Día Dre cada año desde su lanzamiento y ayudaron a normalizar el cultivo de marihuana en todo el mundo. Siguieron más gramófonos dorados por su trabajo con Eminem y Anderson .Paak, y también fue nominado por sus producciones para Kendrick Lamar, 2Pac, 50 Cent, Gwen Stefani y más.

El oído del Dr. Dre para la música también le ha ayudado a convertirse en un empresario multimillonario. En 2006, él y su socio comercial cercano, el director del sello Interscope, Jimmy Iovine, crearon Beats Electronics para vender auriculares Beats By Dre, que rápidamente marcaron tendencias de estilo y ventas en el sector de la tecnología de audio. Ocho años después, Apple adquirió Beats por 3.000 millones de dólares. Pero con su estatus GOAT asegurado, Dre no se detuvo ahí. A lo largo de los años, ha ayudado a forjar el futuro de la próxima generación de mentes musicales. Abrió una escuela especializada en el histórico Leimert Park de South Central y cofundó la Academia Jimmy Iovine y Andre Young en la Universidad del Sur de California. En los GRAMMY 2023, Dre recibió el premio Dr. Dre Global Impact Award inaugural por sus innovaciones y logros a lo largo de décadas de carrera. - Tamara Palmer

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¿Quién hubiera pensado que un actor del Gran Norte Blanco terminaría convirtiéndose en uno de los íconos de la cultura pop más importantes del mundo? El papel de Drake en la popular serie dramática adolescente canadiense "Degrassi: The Next Generation" fue simplemente una plataforma de lanzamiento para una carrera musical que no sólo cruzaría las fronteras canadiense-estadounidenses, sino que mostraría la verdadera universalidad del hip-hop. Su característico canturreo de R&B que se funde con ritmos de rap melódicos, que comenzó con su innovador mixtape So Far Gone (2009), detuvo la mentalidad de gángster que gobernó el hip-hop a finales de los años 2000.

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A partir de ahí, Drake surgió como líder mundial del rap con clásicos como Take Care (2011) y If You're Reading This It's Too Late (2015). Y aunque no es su álbum más aclamado, el éxito comercial e internacional de su éxito de taquilla de 2016, Views, combinado con una emocionante incursión en el dancehall y los Afrobeats, demostró que podía llevar el hip-hop a diferentes rincones del mundo. Perfeccionó su fórmula (una mezcla de emociones llorosas, encanto de amante coqueto, actitud fanfarrona, frases virales y la capacidad de amoldarse a diversos sonidos culturales) y la convirtió en un éxito de oro y platino. Desde que actualmente ostenta el récord de mayor número de éxitos Top 10 en el Billboard Hot 100 hasta la construcción de su imperio OVO Music, Drake todavía tiene la industria principal en la palma de su mano hasta el día de hoy. -Bianca Gracie

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Con su "lenguaje" colorido y su genialidad consumada, E-40 ha influido en los MC de todo el mundo. El rapero, cuyo nombre real es Earl Stevens, construyó su sello Sick Wid It mediante la venta de discos independientes, una actividad que aprendió de su tío, el cantante de soul Saint Charles Thurman, quien fundó la primera empresa de distribución de música negra en el Área de la Bahía.

Esa estrategia independiente inspiró a artistas con ideas afines a seguir el camino de E-40: ganar millones en las calles y en las salas de juntas. Lo más destacado es que sellos como Cash Money Records y No Limit Records en Nueva Orleans le brindaron apoyos fundamentales; Master P comenzó su No Limit Records dentro de una tienda de discos en Richmond, California, antes de regresar al sur. Después de firmar con Jive Records, E-40 lanzó una discografía impresionante que incluye tres álbumes de oro y un álbum de platino.

Continuando expandiendo su arte en años más recientes, E-40 ha lanzado canciones y realizado giras como una cuarta parte del supergrupo de rap Mount Westmore junto a Too $hort, Ice Cube y Snoop Dogg. Ha aprovechado ese ajetreo independiente para construir sus propias empresas para vender bebidas espirituosas y alimentos, que ahora se encuentran en licorerías, mercados de comestibles y grandes tiendas como Costco. Su primer libro de cocina, Goons With Spoons, creado en conjunto con Snoop Dogg, se lanzará en noviembre.

E-40, un filántropo con mentalidad comunitaria, lleva mucho tiempo retribuyendo a sus comunidades. En 2023, donó 100.000 dólares a la Universidad Grambling, a la que asistió, para crear el estudio de grabación de sonido Earl "E-40" Stevens en el campus. Y su espíritu de "hágalo usted mismo" se sigue viendo hoy en día en compañeros raperos del Área de la Bahía, incluidos LaRussell y Larry June, y en la próxima generación de MC. - Tamara Palmer

La carrera de Eminem, cuyo nombre real es Marshall Bruce Mathers III, no tiene precedentes. Los dos álbumes de rap más importantes de la historia de Estados Unidos son suyos. De los 20 álbumes de rap con mayores ventas en la primera semana, tiene seis. Es el rapero con mayores ventas de todos los tiempos y el artista con mayores ventas de cualquier tipo en la década de 2000.

Pero las ventas son sólo el comienzo de la historia. Durante algunos años, a finales de los 90 y principios de los 2000, Eminem fue el centro de la cultura pop. Sus canciones y travesuras crearon acalorados debates, que crearon aún más canciones y aún más travesuras, en un ciclo de retroalimentación que creció lo suficiente como para eventualmente incluir un dúo aún poderoso de Elton John y Em the GRAMMY. Eminem trajo al cantante con él para actuar en la ceremonia de los GRAMMY de 2001 como una respuesta implícita a las acusaciones de homofobia que lo habían estado persiguiendo desde que irrumpió en la corriente principal con letras controvertidas.

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Sin embargo, Eminem siempre fue más que controversia. Si bien sus ventas, como fue el primero en admitir, se vieron impulsadas por su raza, su nivel de habilidad nunca estuvo en duda. Sus raps increíblemente técnicos estaban al servicio de una cautivadora historia de vida. Antes de rimar sobre la reacción de periodistas y políticos a sus polémicos raps, escupía sobre estar "en el fondo": deprimido, desesperado y luchando por salir adelante. Si había algo con lo que los fanáticos de todos los orígenes pudieran identificarse, era no ceder. - Shawn Setaro

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Uno de los mejores dúos de hip-hop de todos los tiempos, el dúo de Long Island Eric B. & Rakim simbolizaba la música hip-hop en su forma más refinada. Gracias a sus grabaciones de finales de los 80 con el DJ y productor "Eric B." Barrier, William "Rakim" Griffin es mencionado a menudo como el mejor MC de todos los tiempos. Su presencia vocal relajada, su uso sutil de las enseñanzas de Five Percenter Nation, su destreza para contar historias y su capacidad para tejer ideas complejas en letras accesibles han sido imitadas por muchos otros. Considerado un artefacto esencial de la época dorada del hip-hop de finales de los 80, Paid in Full, el álbum debut del dúo de 1987, está repleto de éxitos como "Eric B. Is President", "My Melody", "I Know You Got Soul". que popularizó el uso de samples de James Brown en discos de rap y "Move the Crowd".

Su segundo álbum, Follow the Leader (1988), marcó un nuevo pico en las habilidades líricas de Rakim, mientras que Let the Rhythm Hit 'Em (1990) fue uno de los álbumes más esperados de la época. Antes de que el grupo se separara y Rakim se embarcara en una carrera en solitario, lanzaron Don't Sweat the Technique, que recientemente ha alcanzado nueva popularidad debido a su uso en televisión y cine. -Mosi Reeves

Atlanta tuvo un gran resurgimiento en la década de 2010, y Future lideró la carga. Miembro de la familia Dungeon, utilizó Auto-Tune para crear una versión lúgubre del trap blues mientras gorjea sobre la adicción, la depresión, las relaciones manipuladoras y la angustia. Solidificó su legado en 2015 cuando lanzó una serie de proyectos: los mixtapes Beast Mode y 56 Nights, el álbum DS2 picado y no descuidado y el mixtape colaborativo What a Time to Be Alive con Drake, que destacó la brillante química de Future con Los titanes actuales del rap. El ataque de la música hizo girar una nube oscura sobre el género del rap, dando luz verde para que los raperos masculinos sean tan emocionales como vengativos. La buena racha de Future continúa hasta el día de hoy: está experimentando con nuevos géneros, incluidas colaboraciones de estrellas del pop con Ariana Grande y Taylor Swift; produciendo éxitos, el más reciente "Wait For U", ganador del GRAMMY, con su socio musical Drake; y todavía lleva con confianza su corazón roto en la manga. -Bianca Gracie

Como uno de los muchos que siguieron la estela de DJ Kool Herc, Joseph "Grandmaster Flash" Saddler es un innovador clave en el arte de ser DJ, particularmente en la forma en que mezcló discos y amplió el scratching, una técnica inventada por primera vez por Grand Wizzard Theodore. A finales de la década de 1970, reunió al equipo de MC que se convirtieron en los Furious Five y que lanzarían varios discos clásicos de hip-hop: Keith "Cowboy" Wiggins, a quien se le atribuye el primer uso de la frase "hip-hop". ," Melvin "Melle Mel" Glover, el hermano de Mel, Kidd Creole, Guy "Raheim" Williams y Eddie "Scorpio" Morris.

En 1979, el grupo grabó "Superrappin'", que muchos consideran el primer disco "real" de hip-hop del Bronx. Luego lanzaron varios discos populares de 12 pulgadas que culminaron en "The Message" (1982), un momento decisivo en el desarrollo del rap hasta convertirse en una forma de arte musical en toda regla. Mientras tanto, Grandmaster Flash creó "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel", una muestra de sus históricas habilidades como DJ que se considera el primer disco de turntablismo. En 2007, Grandmaster Flash & the Furious Five se convirtió en el primer grupo de hip-hop incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2021, el grupo recibió el premio Lifetime Achievement Award de la Academia de la Grabación. -Mosi Reeves

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Aunque Tracy "Ice-T" Morrow no fue el primer rapero de Los Ángeles en hacer una canción sobre la vida en la calle (prefiere el término "reality rap" en lugar del popular apodo "gangsta rap"), podría decirse que fue el más importante. Después de unos años en la escena electrónica, marcados por una actuación en la película Breakin' de 1984, "6 in the Mornin'" de Ice-T, una vívida historia sobre un joven estafador que calumnia drogas y evita a la policía, tuvo un gran impacto local; continúa influyendo en los artistas de rap hasta el día de hoy. En 1987, se convirtió en el primer rapero de la costa oeste en lanzar un álbum en un sello importante con Rhyme Pays, certificado oro. En el momento de su segundo álbum, Power (1988), Ice-T era ampliamente considerado el mejor rapero solista de la costa oeste, mientras que The Iceberg (Freedom of Speech..Just Watch What You Say) (1989) lo vio expandirse hacia comentarios sociales y experimentos de hard rock. Su cuarto álbum, OG Original Gangster (1992) presentó Body Count, una banda pionera de heavy metal/rap que predijo el surgimiento del rap rock. -Mosi Reeves

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Inimitable en sonido y rima, el propio James Yancey de Detroit, también conocido como J Dilla, es respetado en todo el mundo como "el productor favorito de su productor favorito". Un querido y muy estimado compositor, productor, rapero y baterista, es una gran influencia en algunas de las voces más diversas del hip-hop a lo largo de las décadas y hasta el día de hoy.

Como miembro de Slum Village, Dilla silenciosamente mezclaba ritmos del sótano de su madre para artistas como A Tribe Called Quest ("Find A Way"), Erykah Badu ("Didn't Cha Know"), MF DOOM ("Gazzillion Ear "), y muchos otros. Innumerables homenajes en pistas y conciertos y de grupos como NxWorries (compuesto por Anderson .Paak y Knxwledge), programas de televisión (Adult Swim de Cartoon Network) e instituciones (Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana del Smithsonian) recuerdan su importante contribución. a esto que amamos llamado hip-hop.

Considerado uno de los más grandes creativos en la historia del hip-hop, J Dilla hizo un uso innovador del sonido y la imaginación al emplear ritmos en tiempo real que pueden traducirse mejor como "una vibra" para los oyentes. Es directamente responsable de unir el alma y el sonido que distinguen al rap como una de las formas de arte más inventivas de la historia reciente. Al demostrar que sus ritmos enérgicos coincidían con sus rimas, el legado de Dilla continúa inspirando y resonando dentro de la comunidad del hip-hop actual, y en el aniversario histórico del hip-hop, sus innovaciones e impacto también demuestran ser inmortales. —Kevin L. Clark

Nacido como Shawn Corey Carter en Brooklyn, Nueva York, Jay-Z ha dejado una huella indeleble en la cultura hip-hop durante tres décadas al combinar una creatividad lírica superlativa con una aguda visión para los negocios. Jay-Z irrumpió en las puertas de la industria discográfica como copropietario y artista estrella del sello independiente Roc-a-Fella Records y lanzó el seminal Reasonable Doubt, un debut que lo colocó instantáneamente entre los mejores raperos de la década de 1990. Un calendario constante de lanzamientos de material inolvidable, incluido el vol. 2…Hard Knock Life, The Blueprint, The Black Album y 4:44 crearon clásicos del verano para toda una generación y lo establecieron como uno de los mejores raperos que jamás haya producido la cultura.

Jay-Z ocupa un espacio único en el hip-hop como magnate multimillonario y rapero constantemente reconocido como uno de los más talentosos de todos los tiempos en esta forma de arte. Sus participaciones en varias empresas empresariales: la plataforma de transmisión de música Tidal; la agencia de entretenimiento Roc Nation; el salón deportivo 40/40 Club: aportan tanto a su legado como su antigua rivalidad con Nas, que resultó en la batalla más notoria del hip-hop entre MC vivos hasta la fecha. Su matrimonio con Beyoncé Knowles-Carter, una de las artistas pop más emblemáticas de la era moderna, también ha producido contribuciones artísticas (véase su álbum conjunto, Everything Is Love), así como un símbolo perdurable de la excelencia negra. - Miles Marshall Lewis

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Jermaine Dupri, hijo del histórico ejecutivo musical Micheal Mauldin, ha contribuido al hip-hop como productor, compositor y ejecutivo. Lo más importante es que la ganadora del GRAMMY, que comenzó a bailar para artistas como Diana Ross y Whodini, ayudó a convertir a Atlanta en la capital del rap que es hoy.

Como fundador de So So Def Records, Dupri ayudó a que Kris Kross y Lil Bow Wow fueran rompecorazones adolescentes en un género musical que se apoyaba en personajes más adultos; También jugó un papel importante al ayudar a Da Brat a convertirse en la primera rapera en obtener platino. Incluso hoy, su etapa como productor ejecutivo de la serie de telerrealidad The Rap Game dio paso al eventual ascenso del rapero de próxima generación Latto. Eso ni siquiera cuenta las colaboraciones que han llegado a casi todos los rincones del hip-hop, incluidos clásicos con Jay-Z, UGK, Bone Thugs-N-Harmony, Snoop Dogg y más.

El legado de Dupri en el hip-hop también se puede escuchar en el puente musical que conecta el rap y el R&B. Ha escrito y producido álbumes exitosos para Mariah Carey, Usher, Xscape, Jagged Edge y muchos más, y sus contribuciones profundizan el vínculo entre los dos géneros. —Ural Garrett

¿Por dónde empezamos? Desde producir algunas de las mejores canciones de rap de la década de 2000 como protegido de Jay-Z hasta emerger como uno de los raperos de mayor éxito comercial y de crítica de todos los tiempos, Kanye West podría ser el músico más importante del siglo XXI, un género irrelevante. Su capacidad para alternar entre comentarios incisivos ("All Falls Down", "Heard 'Em Say"), fanfarronería de todos los tiempos ("Can't Tell Me Nothing", "Power") y humor irónico ("Gorgeous", " Otis") hizo de cada verso un evento, y sus álbumes de gran éxito mostraron consistentemente un sentido experto de selección de talentos. A principios de la década de 2010, cuando West dio un duro giro desde el maximalismo de su obra maestra, My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010), a la brutalidad industrial de Yeezus (2013), mostró el tipo de valentía que poseen los verdaderos grandes artistas. mientras continuaba superando los límites incluso frente al escepticismo.

Los últimos años de la experiencia de Kanye West han sido difíciles e inquietantes para muchos fanáticos de la música. Ha elogiado a Adolf Hitler y ha hecho comentarios antisemitas, sólo para aparentemente retroceder, aunque de manera troll. Un talento generacional que ha evolucionado su legado creativo en más de un sentido, el impacto de West en la música es claro e innegable. ¿Ha pasado de ser un iconoclasta de la industria a ser un caso atípico? ¿De quién es la historia para contar? Pero cualquier intento de comprender el primer medio siglo de la historia del hip-hop, y de la música en general, debe incluir una referencia a Kanye, cuyo ADN estará presente en la música rap durante al menos los próximos 50 años. -Grant Rindner

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En retrospectiva, el famoso verso de Kendrick Lamar sobre "Control" podría describirse mejor como un manifiesto que como un llamado a la guerra. Después de mencionar a casi una docena de los raperos más populares de la época, incluidos artistas como Drake y J. Cole, Lamar desafía: "¿Qué es la competencia? Estoy tratando de elevar el listón alto. ¿Quién intenta saltar y conseguirlo?" Diez años y una carrera legendaria después, los tres minutos de rimas de Lamar parecen menos un insulto generalizado y más una declaración de intenciones.

El nativo de Compton llegó a alcanzar alturas que el hip-hop nunca antes había visto. En 2018, el ganador de 17 premios GRAMMY ganó el Premio Pulitzer por DAMN., un logro que alguna vez se describió como "un momento decisivo... y una señal del reconocimiento de la élite cultural estadounidense del hip-hop como un medio artístico legítimo".

Aún así, a pesar de contribuciones tan trascendentales al género y la cultura en general, identificar la influencia directa de Lamar en el hip-hop realmente te hace detenerte y pensar. Quizás esa dificultad se deba al hecho de que gran parte de lo que hace grande a Lamar es su capacidad para combinar los rasgos principales de quienes lo precedieron. Ya sea canalizando el superpoder narrativo de Nas en Good Kid, MaAd City, el poderoso comentario social de 2Pac en To Pimp A Butterfly, o la vulnerabilidad de Jay-Z en temas como "Mother I Sober", el mayor impacto de Lamar en la música hip- El salto puede ser simplemente el hecho de que realmente elevó el listón muy alto para el rap y al mismo tiempo encarnó a quienes sentaron sus bases. —Taj Mayfield

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Kurtis "Blow" Walker, un pionero que presagió el éxito internacional del hip-hop, es la primera superestrella del género. De sus logros notables, se convirtió en el primer rapero en firmar un contrato discográfico importante (con Mercury Records) y el primero en obtener disco de oro con su sencillo de 1980 "The Breaks", reconocido como una de las mejores canciones de hip-hop de todos. tiempo y sigue siendo su tarjeta de presentación distintiva.

La enorme influencia de Blow en la cultura está directamente ligada a su capacidad para ampliar los límites del hip-hop y fomentar el talento dentro y más allá de sus círculos creativos. Su primer DJ de gira fue Joseph Simmons, apodado "Run, el hijo de Kurtis Blow" y que más tarde se labró su propia carrera icónica como un tercio del trío de hip-hop que Run-DMC Blow y Run-DMC protagonizaron. la película de 1985 Krush Groove, una historia ficticia que es paralela a la del sello neoyorquino Def Jam Recordings, lo que convierte a Kurtis Blow en esencialmente el primer rostro famoso del hip-hop en cruzar a Hollywood.

A mediados de los 90, Blow se convirtió en DJ de radio y presentó "The Old School Show" en la estación de radio Power 106 de Los Ángeles. También fue ordenado ministro cristiano, cofundó la Iglesia Hip-Hop y liberó la fe. álbumes basados ​​​​en su grupo, Kurtis Blow and the Trinity. Al demostrar que el hip-hop puede coexistir con el gospel, la música de inspiración espiritual de Blow ayudó a ampliar la audiencia de música cristiana en todos los géneros y audiencias. - Tamara Palmer

Con un bolígrafo en la mano, una canción en el corazón y una historia que contar, Lauryn Hill elevó el hip-hop para mejor durante los años 90. El trabajo de Hill difumina hábilmente las líneas entre géneros, a menudo fusionando armonías con sabor a doo-wop y R&B de los 70 con la arrogancia del hip-hop y la ligereza del neo-soul. Originaria de Jersey y miembro del icónico grupo de rap The Fugees, se convirtió en un nombre familiar después del gran éxito internacional de su álbum debut en solitario, The Miseducation of Lauryn Hill (1998). El proyecto ve al músico explorando temas de amor, desamor y familia a través de una lente personal con impacto universal. Un éxito comercial y de crítica en todo el mundo, el álbum ganó el GRAMMY al Álbum del Año en 1999, convirtiendo a Hill en el primer artista de rap en ganar esa categoría. Hasta el día de hoy, cuenta con ocho GRAMMY, la mayor cantidad para cualquier mujer en el hip-hop.

La técnica del rap melódico y la versatilidad artística de Hill han inspirado actos de todos los géneros en los años posteriores, desde Drake hasta Lin-Manuel Miranda, quien atribuye varios elementos de su éxito de Broadway "Hamilton" a su arte. - J'na Jefferson

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No dejes que su pequeña figura te engañe: Lil' Kim ha sido más grande que la vida desde su debut en 1994 como miembro de Junior MAFIA y aprendiz de Notorious BIG. La nativa de Brooklyn abrió un siguiente nivel para el rap femenino con su álbum debut en solitario en 1996. Núcleo duro. Incluso antes de que el mundo escuchara el álbum, su pose seductora en la portada señaló un cambio: era hora de que las mujeres tomaran la iniciativa. Sencillos exitosos como "No Time", "Crush on You" y "Not Tonight (Ladies Night Remix)" establecieron las letras obscenas y el tono gutural característicos de la rapera, dándole la vuelta al género dominado por los hombres, a menudo misógino, mientras reclamaba su sexualidad. . También sabe cómo imponer respeto, escupiendo compases feroces en canciones como "It's All About the Benjamins" de Diddy y "Quiet Storm (Remix)" de Mobb Deep junto a sus homólogos masculinos.

Un auténtico ícono del hip-hop, la influencia de Lil' Kim abarca generaciones e industrias. Musa de innumerables estrellas del rap y diseñadoras en ascenso como Versace y Marc Jacobs, creó un espacio seguro para las mujeres negras en las industrias de la moda y la música, a menudo exclusivas y predominantemente blancas y masculinas. Sus elecciones de vestimenta, tan llamativas como sus atrevidas rimas, aún brindan a las raperas de próxima generación como Baby Tate, GloRilla y Cardi B the Queen Bee la confianza para exudar la misma sensación de liberación sexual que fue pionera en el rap en los años 90. . Su trayectoria tanto en la música como en la moda la han convertido en una de las voces más impactantes del rap con un legado innegable. -Bianca Gracie

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A pesar de ser un jugador importante relativamente nuevo en el juego, Lil Uzi Vert es un innegable impulsor del hip-hop. Si esa influencia es difícil de precisar, es porque Uzi de alguna manera ha hecho que la existencia de un rapero peculiar, emocional e inspirado en el rock sea algo común en 2023.

Al igual que otras estrellas emergentes de la era del rap de SoundCloud que los crearon, incluidos Lil Peep, XXXTentacion y Juice WRLD, Lil Uzi Vert incorporó su yo puro a su música. ¿El resultado? Un flujo constante de éxitos y cortes profundos evocadores que desafían el género. Desde himnos como "XO TOUR Lif3" (2017) hasta "Rehab", una canción destacada de su recientemente lanzado Pink Tape, el nativo de Filadelfia de 27 años siempre lleva su corazón y su inspiración en la manga. Años de música de calidad junto con su autenticidad inquebrantable han ampliado para siempre los horizontes del hip-hop, dando paso a muchos futuros Lil Uzi Verts. —Taj Mayfield

Hay dos épocas distinguibles en la historia del rap: antes de Tha Carter y después de Tha Carter. Lil Wayne, cuyo impacto en la evolución del género es inconmensurable, ha llevado el rap a alturas poco comunes y cambió para siempre su influencia en y desde el Sur. Con una ética de trabajo innegable y casi insuperable, el hijo nativo de Nueva Orleans ha brindado infinitos momentos memorables que se han extendido por décadas. Desde sus actuaciones con los Hot Boys de Cash Money hasta sus éxitos que diezmaron las listas como "A Milli" y su serie de álbumes Tha Carter que definió el género, Weezy F. ha estado a la altura de su reinado como el "Mejor rapero vivo" durante décadas.

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Con un profundo aprecio por la cultura, Wayne impuso una capa de intuición e imaginación que llevó el rap al siguiente nivel. Con una fuerza más dura que el cabello nigeriano, su impresión se puede escuchar en todas las épocas del hip-hop moderno, desde su propio árbol genealógico musical con Young Money (Drake, Nicki Minaj) hasta las superestrellas de la próxima generación (Kendrick Lamar, J. Col).

Lil Wayne, de otro mundo, diverso y una influencia omnipresente en la escena actual, ha sido una bendición para el rap, impulsando constantemente el juego y haciendo crecer la cultura de maneras inconmensurables. —Kevin L. Clark

Hubo álbumes de rap antes de LL Cool J's Radio. Pero el género todavía estaba impulsado en gran medida por los singles, y los álbumes generalmente estaban llenos de éxitos, algo de relleno y algunos experimentos únicos. Fue Radio la que convirtió el álbum de rap en una obra de arte y dio inicio a la época dorada del género.

LL no era más que versátil. Lanzó sencillos icónicos como "I Need a Beat" y "Rock the Bells". Sus videos musicales que cambiaron de género, como "Around the Way Girl", "Hey Lover" y el clásico fundamental "I Need Love", agregaron amplitud a la industria dominada por los hombres. Y su espectacular aparición en la película Krush Groove ayudó a convertir al joven MC en un rey de Queens.

También marcó otra tendencia: el regreso del tipo "no lo llames regreso". Después de lanzar dos álbumes espectaculares, LL lanzó Walking With A Panther en 1989. Si bien fue un éxito comercial, Panther fue rechazado por los artistas y fanáticos del hip-hop en ese momento, debido a su atractivo cruzado general, y LL fue considerado superado por la comunidad hip-hop, desconectada de la época consciente y afrocéntrica de la época. Apenas tenía 20 años y parecía que se le había acabado el tiempo. Y luego, tuvo el primer gran regreso de la música rap, a pesar de las protestas líricas. Mama Said Knock You Out fue un regreso a la forma que preparó a LL Cool J para una carrera de por vida en la música, la televisión, el cine e incluso esa canción caprichosa sobre su sombrero con forma de aleta de tiburón. - Shawn Setaro

Gracias a canciones como "Thizzelle Dance" y "Feelin' Myself", el rapero de Vallejo Andre "Mac Dre" Hicks fue el flautista de Hyphy, una innovación marcada por bajos vibrantes y ritmos funk deslizantes. Dominó el Área de la Bahía durante la década de 2000 y sigue siendo un componente clave de la distintiva escena hip-hop de la región.

La carrera de Mac Dre se remonta a 1989 con el éxito local "Too Hard for the F—in' Radio". Pero en un caso que llegó a los titulares nacionales, fue arrestado y condenado por presuntamente estar involucrado en robos a bancos (sus partidarios continúan afirmando su inocencia) y se convirtió en el primer rapero en hacer música, Back N Da Hood, mientras estaba en prisión. (Grabó su voz por teléfono). Cuando finalmente regresó al rap a finales de los 90, comenzó a refinar su estilo idiosincrásico usando tonos P-funk y un tono vocal divertido e ingenioso. Como se expresa a través de canciones como "Get Stupid" y "Not My Job", fue un estilo que eventualmente sacudió al mundo y condujo a la fundación y popularización del movimiento hyphy.

Desafortunadamente, Mac Dre no pudo presenciar el apogeo y el gran éxito de su música, que finalmente se utilizó en televisión y cine, así como en eventos deportivos. Su asesinato sin resolver en 2004 ocurrió justo cuando parecía estar preparado para un avance nacional. -Mosi Reeves

La historia del hip-hop está plagada de grandes mentes empresariales, pero es raro que la perspicacia de alguien en la sala de juntas resulte tan fuerte que su racha de álbumes multiplatino y exitosos sencillos parezca completamente secundaria. Tal es el caso de Master P, el nativo de Nueva Orleans que fundó No Limit Records y, junto con el dúo de hermanos de Cash Money formado por Bryan "Birdman" y Ronald "Slim" Williams, cambió el paradigma del magnate del rap para siempre. En 1995, P se asoció con No Limit con Priority Records en un acuerdo que le permitió cubrir la mayor parte de los costos creativos a cambio de un mayor control creativo y ganancias de backend.

Se abrió paso como MC con Ice Cream Man y Ghetto D, álbumes que sirvieron más como escaparate para el colectivo No Limit que el propio P. Al ceder los roles más llamativos y el talento técnico a colaboradores como Silkk the Shocker, Mia X y Mystikal, Master P aportó una especie de carisma de fuerza bruta que es fácil de ver trabajando para él detrás de escena. No Limit se ha convertido en una entidad donde pioneros como Mia X pueden celebrar a las mujeres en el hip-hop, mientras que P continúa expandiendo el imperio a través de asociaciones ganadoras (Snoop Cereal) y nuevas ofertas (Rap Snacks) que crearon la razón por la que esta industria musical le debe gratitud. al Maestro P. - Grant Rindner

Aunque no siempre reciba la fanfarria de sus cohortes más convencionales, MC Sha-Rock cambió el ecosistema del hip-hop para siempre cuando llegó al stand a finales de los años 70. Considerada en gran medida como la primera rapera, Sha-Rock, conocida como la "Madre del micrófono", ayudó a allanar el camino para todas las raperas de esta lista y más allá. Aunque tiene orígenes de B-girl, la escupidora criada en el sur del Bronx mostró su talento puro y su confianza detrás del micrófono. Como miembro de Funky 4+1, su carisma natural y su habilidad establecieron el modelo para el futuro de las mujeres en el rap. Aunque Funky 4+1 fue el primer grupo de hip-hop que apareció en la televisión nacional, no fue hasta los años 80 cuando las raperas comenzaron a abrirse paso a escala internacional. Puedes agradecer a Sha-Rock por abrir esa puerta por primera vez, romper el techo de cristal y marcar el comienzo de un avance de género que ha ayudado a las mujeres a dominar el rap actual. - J'na Jefferson

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Ya sea que los fanáticos sintonizaran MF DOOM o alias como Viktor Vaughn o King Gedorah, el rapero y productor nacido Dumile Daniel Thompson ofreció algunas de las obras de arte más memorables del hip-hop.

Dumile, nativo de Londres y trasladado a Long Island, Nueva York, comenzó su carrera como Zev Love X, formando el grupo KMD con su hermano DJ Subroc. Pero después de la repentina muerte de Subroc y la negativa de su sello discográfico a lanzar su álbum, Zev Love X hizo una pausa y regresó como MF DOOM, poniéndose una máscara para combatir la corrupción de la industria musical. Creó un catálogo prolífico inspirado en cómics, dibujos animados y los absurdos y mundanidades de la vida, creando mundos llenos de vibrantes juegos de palabras. Su voz ronca, fluidez conversacional y esquemas de rima increíblemente intrincados componían su tarjeta de presentación, junto con referencias igualmente absurdas y remates impredecibles.

DOOM se ganó una reputación entre los mejores del rap indie a principios de la década de 2000, pero se convirtió en una deidad del rap con Madvillainy, el álbum que lo combinó inteligentemente con la colección del productor Madlib de obtusos jazz y muestras de televisión que eran igual de volubles. El disco elevó la iconografía de DOOM y lo solidificó como uno de los creadores de rap más distintivos de todos los tiempos, y tanto los fanáticos como otros MC le rindieron reverencia. —William E. Ketchum

A finales de los 90, la delgadez estaba de moda y las raperas hipersexualizadas se convirtieron en algo común. Pero una gran mujer con gran talento (y un traje de charol aún mayor) se coló para extinguir estos estándares de la industria, convirtiéndose en la campeona del pueblo y en un ícono indiscutible en el proceso. La valentía agradablemente fuera de lugar de Missy Elliott está marcada por videos musicales llamativos y creativos, como el ya mencionado "The Rain (Supa Dupa Fly)", técnicas de interpretación entretenidas y ritmos de siguiente nivel creados por ella y su amigo de toda la vida y compañero virginiano, Timbaland. Ha creado obras de arte que han resistido la prueba del tiempo, lo que le permite ver y recibir sus flores mientras aún puede olerlas: durante la Semana GRAMMY 2023, Missy recibió el Premio Impacto Global de la Academia de la Grabación en los Honores de la Academia de la Grabación presentados por The Black. Evento Colectivo de Música; A finales de este año, se convertirá en la primera rapera incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Al desmantelar los límites, Missy Elliott allanó el camino para que los artistas de hip-hop fueran ellos mismos sin pedir disculpas. - J'na Jefferson

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Apodado el "grupo más peligroso del mundo", los pioneros del gangsta rap NWA pusieron a Compton, California, en el mapa a finales de los 80 con su música provocativa y un nombre que encarnaba su inquebrantable valentía: N—z With Attitudes.

En ese momento, artistas como Public Enemy, Kool Moe Dee, LL Cool J y Eric B. & Rakim dominaban las ondas, con canciones sobre todo, desde el amor, la fiesta y la destreza lírica hasta la raza y la política. Sin embargo, pocos fueron tan explícitos y provocativos como las estrellas en ascenso de la costa oeste que revolucionaron la industria con el lanzamiento de su contundente álbum debut, Straight Outta Compton, en 1988.

Con una alineación repleta compuesta por Eazy-E, Dr. Dre, DJ Yella, Ice Cube y MC Ren, los nativos de Los Ángeles rapearon sobre la violencia de las pandillas, la brutalidad policial, la vida en la calle y las experiencias del barrio. Fueron acusados ​​de degradar a las mujeres y glorificar la violencia y el uso de drogas, y mientras su música continúa generando controversia mientras las letras de hip-hop en los procedimientos judiciales están sujetas a debate hoy, el provocativo debut de NWA resuena hasta el día de hoy a través de nuevas generaciones de fanáticos. Si bien el grupo vendería millones de discos y produciría tres actos solistas de superestrellas, su álbum atemporal y su himno de protesta definitivo, "F— tha Police", cimentaron su lugar en el panteón del hip-hop, cambiando para siempre la cultura y al mundo en general con su poderoso mensaje. La canción cargada de emociones ofrece una crítica mordaz de la desigualdad sistémica que refleja las frustraciones que las comunidades marginadas aprovechan por la discriminación que continúan enfrentando décadas después de que se lanzó la canción.

Si bien su mandato duró poco, la música que cambió el paradigma de NWA inspiró una serie de actos que dejarían su propio sello en la cultura, incluidos 2Pac, Snoop Dogg, Eminem, the Game y DJ Quik. - Desiree Bowie

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Miembro perenne de las listas de los cinco mejores raperos de todos los tiempos de todos los amantes del hip-hop, Nas heredó la corona de los mejores creadores de palabras de la época dorada del rap al lanzar su álbum debut de 1994, Illmatic, que ayudó a establecer la reputación estelar de casi 30 años de la leyenda como MC. . Hijo del cornetista de jazz Olu Dara, Nasir bin Olu Dara Jones creció en los proyectos de viviendas de Queensbridge en Queens, Nueva York, también el hogar de otras luminarias del hip-hop como Roxanne Shanté y la productora Marley Marl. Durante un período en el que la estética del hip-hop parecía redirigida para siempre a la costa oeste, Nas ayudó a reorientar la atención hacia la ciudad de Nueva York, el lugar de nacimiento de la cultura.

Tras los asesinatos de 2Pac y Notorious BIG, surgieron preocupaciones cuando una rivalidad latente entre Nas y Jay-Z se hizo pública en temas como "Ether" (2001) y "Takeover" (2001). Desafiando las peores expectativas, su guerra de palabras finalmente se transformó en una relación profesional (Nas firmó con Def Jam en 2006 con Jay-Z como entonces presidente del sello) y un vínculo creativo, con el dúo lanzando una canción conjunta, "Black Republicano", en 2007). En una serie reciente de colaboraciones con el productor Hit-Boy, incluida King's Disease (2020), ganadora del GRAMMY, Nas ha ayudado a alterar las expectativas sobre la longevidad de la carrera en el hip-hop. - Miles Marshall Lewis

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The Neptunes, el dúo de producción impulsado por el genio de Pharrell Williams y Chad Hugo, cambiaron el sonido del hip-hop de finales de los 90 y principios de los 2000, impulsando y transformando las carreras de innumerables artistas de todos los géneros imaginables en el proceso. .

Después de comenzar con el pionero del New Jack Swing, Teddy Riley, los Neptunes se hicieron un nombre al producir "Superthug" de NORE y "Got Your Money" de Ol' Dirty Bastard, así como álbumes para Clipse y Kelis.

El comienzo de su dominio del hip-hop tal vez se remonta al año 2000, cuando produjeron "I Just Wanna Love U (Give It 2 ​​Me)" de Jay-Z. La canción, que presenta la memorable voz de Pharrell, se convirtió en el primer éxito número uno de Hov en la lista Billboard Hot R&B/Hip-Hop.

El éxito también llamó la atención de Britney Spears, lo que la impulsó a contratar al dúo de Virginia Beach para escribir y producir "I'm A Slave 4 U", que marcó un importante punto de inflexión en su nuevo y maduro sonido. Los Neptunes también ayudaron a Justin Timberlake a crear un nuevo sonido e imagen, produciendo gran parte de su álbum debut en solitario, Justified.

El sonido fuera de lugar y con influencia funk del dúo los convirtió en productores buscados (y muy imitados) durante gran parte de los años. Algunos de sus éxitos de la década de 2000 incluyen "Hot in Herre" de Nelly, "Drop It Like It's Hot" de Snoop Dogg, "Money Maker" de Ludacris y "Milkshake" de Kelis. Pharrell también ayudó a marcar el comienzo de una era en la que los productores pasaron a ser el centro de atención, rapeando y cantando canciones y apareciendo en videos musicales para los artistas que producían.

Con cuatro premios GRAMMY, la pareja ganó el premio de Productor del Año en 2003 y Productor de la Década en 2009 en los Premios Billboard R&B/Hip-Hop. En 2022, los Neptunes fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Compositores, una distinción que demuestra cuánto cambiaron el sonido de la cultura y la música en su conjunto. —Victoria Moorwood

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Nicki Minaj reescribió las reglas del hip-hop a través de su incomparable habilidad para rimar, un arsenal de flujos, una colección de voces impulsadas por los personajes y un éxito cruzado. Como resultado, ella sola elevó el rap femenino en la corriente principal en la década de 2010. Su reinado se produjo en una época en la que el hip-hop todavía se consideraba un terreno dominado por los hombres. Sin embargo, demostró que las raperas pueden seguir el ritmo de los chicos, aunque regularmente los superaba en nivel de habilidad. Sus éxitos que cambian géneros muestran su versatilidad, y su talento para escribir e interpretar la convierten en uno de los productos más populares de la música. No solo tomó riesgos, sino que logró éxitos: con 132 entradas, Nicki Minaj tiene el récord de mayor número de éxitos del Billboard Hot 100 de una rapera. Gracias a Nicki Minaj (o Nicki Lewinsky, Nicki the Ninja, ya sabes lo que es), una nueva generación de superestrellas del rap obtuvo el coraje para crear su propia magia. - J'na Jefferson

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Christopher "Biggie Smalls" Wallace, también conocido como Notorious BIG, es un titán en la historia del hip-hop, un creador de palabras cuya potencia lírica se intensifica por la brevedad de su carrera. La seriedad de Wallace (en estatura física y reputación) contradecía su juventud; Como jamaicano-estadounidense que creció en el barrio Clinton Hill de Brooklyn, en la frontera con Bedford-Stuyvesant en el apogeo de la era del crack, pasó sus primeros años navegando por el umbral entre la vida civil y la vida callejera y aportó esas complejidades a su composición y a su vívida narración. . Con la guía de Sean Combs, quien entonces se hacía llamar Puff Daddy, Wallace rápidamente pasó de "Unsigned Hype" en la revista The Source a ser el artista estrella de Bad Boy, llegando a las listas en 1994 con su álbum debut, Ready to Die, en apenas 21 años.

El álbum es un equilibrio de sencillos masivos aptos para la radio con discos introspectivos casi autográficos que son tonificantes en su rango emocional y atención al detalle: por cada "Juicy", "Big Poppa" y "One More Chance", hay "Advertencia", "Dame el botín" y "Pensamientos suicidas". En cada pista, Biggie jugó con la morfología de las palabras y las cadencias de rima a voluntad, estirando las vocales y contrayéndolas en un sonido entrecortado con la competencia de un músico de jazz. El enfoque cinematográfico de Wallace hacia el rap se convirtió en su firma. Formaría el equipo Junior MAFIA en esta imagen, creando discos como "Get Money" y "Player's Anthem", canciones tan entretenidas como ilustrativas que también presentaron al mundo la fuerza de la naturaleza que era Lil' Kim.

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Su segundo álbum póstumo, titulado proféticamente Life After Death (1997), es un extenso álbum doble repleto de epopeyas de gánsteres como "Somebody's Gotta Die", "N—s Bleed" y "What's Beef?" Lanzados dieciséis días después de su asesinato en 1997, los sencillos crossover de Biggie golpearon como un maremoto. Los sencillos que encabezaron las listas, "Mo' Money, Mo' Problems" e "Hypnotize", lanzaron la fórmula patentada Bad Boys del renombrado equipo de producción Hitmen a la estratosfera, y eventualmente inspiraron a personas como Kanye West y otros a acelerar los samples de soul. para lograr un éxito similar. La propia voz de Wallace, pesada y exuberante, con la capacidad de deslizarse como mantequilla a través de una cascada de esquemas de rima interna, todavía suena tan fresca hoy como cuando el proyecto se lanzó inicialmente con gran éxito de crítica el 25 de marzo. Y a pesar de la trágica coda que cortó A pesar de la vida de este rey del condado de Kings, la destreza narrativa de Notorious BIG sigue siendo eterna.— Shamira Ibrahim

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Cuando André 3000 de OutKast proclamó con orgullo "el Sur tiene algo que decir" en los Source Awards de 1995, el rapero de Atlanta y su socio creativo, Big Boi, no tenían idea del significado que esas palabras tendrían en la música rap actual. En el momento de su debut en 1994, Southernplayalisticadillacmuzik, el Sur era considerado un país "atrasado" y atrasado en los tiempos. Esas palabras, una denuncia, podrían haber sido mal interpretadas por las comunidades blancas y rurales, diciendo que estos artistas y sus regiones no eran considerados "hip-hop". El hip-hop era cool, costero y cosmopolita, no country. Sin embargo, a André 3000 y Big Boi no les importaba ser considerados como un país; de hecho, lo aceptaron.

Su música y el hip-hop sureño en general incorporaron estilos de blues y gospel. Su discurso tuvo un toque especial. No estaban aquí para duplicar el hip-hop de la costa este o la costa oeste. Tenían la misión de dar a los jóvenes negros de clase trabajadora del Sur algo que decir. Aunque tienen su sede en Atlanta, sus perspectivas y reflexiones sobre la vida de los negros en el sur se arraigaron en estados de toda la región. Con el tiempo, se convirtieron en los líderes de la escena hip-hop sureña. Entonces, cuando el dúo ganó el GRAMMY al Álbum del Año, por Speakerboxxx/The Love Below, en los GRAMMY de 2004, casi 10 años después de su declaración en los Source Awards, el Sur no sólo fue respetado en el hip-hop, sino que se convirtió en un contendiente por el título que le corresponde. —Taylor Crumpton

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Public Enemy, uno de los grupos más profundos y prolíficos en la historia del hip-hop, continúa siendo estudiado y aplicado a momentos que impactan la música y la cultura actuales. Una vez que Chuck D y Flava Flav se conectaron con Terminator X y Bomb Squad, el espíritu y los principios fundamentales sobre los que se fundó el hip-hop (paz, amor, unidad y diversión) finalmente se hicieron realidad. Su auge se fusionó con el estallido de las calles para mostrar las razones por las que la cultura del hip-hop no sólo debe ser defendida sino también apreciada, sin permitir nunca que la historia sea borrada o revisada.

Los miembros continuarían dejando su huella en todo el entonces floreciente sonido que salía de Estados Unidos. Desde producir el álbum triple platino de Bel Biv Devoe, Poison, hasta contribuir a uno de los álbumes de hip-hop definitorios de la década de 1990, AmeriKKKa's Most Wanted de Ice Cube, Public Enemy ha resonado a través del tiempo como revolucionarios del sonido que ponen a prueba la reflexión y provocan chispas. que todavía desafían a la gente a saber que el volumen alto no es suficiente. —Kevin L. Clark

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La longevidad y la creatividad artística de The Roots han tenido un impacto duradero en el hip-hop. Los propios Illadelph son pioneros del género, pioneros de un sonido alternativo y distintivo que combinaba rap con instrumentos en vivo, letras conscientes y ritmos influenciados por el jazz.

The Roots no han tenido miedo de abordar temas importantes y desafiar las normas sociales: el video de su canción "What They Do", de su tercer álbum Illadelph Halflife, se burla de los estereotipos que se ven en la industria musical. Su álbum más exitoso, Things Fall Apart, es un guiño al libro aclamado por la crítica del mismo nombre de Chinua Achebe. El álbum originalmente tenía cinco portadas diferentes, una de las cuales presenta a adolescentes huyendo de la policía durante la era del Movimiento por los Derechos Civiles. La cruda imagen en blanco y negro, junto con los temas del álbum, proporcionó una cohesión artística y una intensidad política que solidificó el impactante mensaje del grupo.

En total, los Roots tienen 14 álbumes de estudio en su haber. Aparte de la música, la evolución de la carrera del grupo abarca varios proyectos, incluyendo publicaciones (las próximas memorias de Black Thought, The Upcycled Self), festivales de música (el festival anual Roots Picnic) y cine (Summer of Soul, ganador del GRAMMY de Questlove). Sin mencionar la televisión convencional: The Roots también se mantiene hasta altas horas de la noche como banda local del programa "The Tonight Show with Jimmy Fallon" de NBC. El sonido único del grupo y su expresión de problemas apremiantes solidifican al Legendary Roots Crew como importantes revolucionarios. —Raquel McCain

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Históricamente, el hip-hop siempre ha sido anunciado como un deporte para jóvenes, y quizás nadie ejemplifique mejor ese arquetipo que Roxanne Shanté de Queensbridge. Con apenas 14 años, el advenedizo miembro de Juice Crew lideró uno de los primeros debates de rap del hip-hop, respondiendo a "Roxanne Roxanne" de la UTFO (Untouchable Force Organization) con la abrasadora "Roxanne's Revenge". Donde UTFO detalló la saga de una mujer que rechazó sus propuestas, Shanté refutó con una contranarrativa claramente construida, diseñando una historia desde el punto de vista de Roxanne siendo molestada por pretendientes inadecuados que palidecían en comparación con sus habilidades como MC.

Si bien la respuesta inicial la hizo famosa, sería su imperturbable habilidad para mantenerse firme en la avalancha de pistas de respuesta lo que consolidaría su legado como rapera de batalla y artista discográfica. Temas como "Queen of Rox (Shanté Rox On)" y "Bite This" extenderían su racha de victorias contra UTFO y el grupo de oponentes que dieron un paso al frente mientras la ciudad corría para sacar provecho de la llamada "Roxanne". Guerras." Cuando KRS-One la atacó crudamente en "The Bridge is Over" (en el que declaró: "Roxanne Shanté sólo sirve para follar constantemente"), ella refutó en "Que tengas un buen día": "Apártense, campesinos, exploten todo eso". basura/O BDP significará Broken Down Punks/Porque soy una estrella como Julius Erving/Y Roxanne Shanté sólo es buena para el saque constante. Shanté no solo pudo superar a los muchachos en su propio juego, sino que también se propuso avergonzar sus ataques misóginos mientras lo hacía. Grabando aún más su impacto en el rap, este legado resonaría a través de los tiempos y se reflejaría en artistas como Megan Thee Stallion y Noname, e incluso encontró un homónimo espiritual en el sencillo de Nicki Minaj de 2010, "Roman's Revenge". —Shamira Ibrahim

Con dos MC (Joseph Simmons, también conocido como Run, y Darryl McDaniels, también conocido como DMC), un DJ (Jason Mizell, también conocido como Jam Master Jay) y un montón de Adidas, Run-DMC se convirtió en una de las primeras músicas y estilos del hip-hop. embajadores ante el mundo. Sólo pasaron unos años después de su debut en 1984 para que los fanáticos de todo el mundo conocieran su ciudad natal de Nueva York, Hollis, Queens.

En 1986, Run-DMC colaboró ​​con Aerosmith en una nueva versión del corte de 1975 del grupo de rock de Boston, "Walk This Way". La inesperada e innovadora pareja se convirtió en el cuarto éxito de la lista Billboard Hot 100. MTV puso el video musical de la canción, que muestra a los dos grupos literalmente derribando paredes, en una gran rotación y posicionó a los raperos como los superhéroes que modifican el género como todavía se los ve hoy en día, como lo atestigua su incorporación al Salón de la Fama del GRAMMY.

Antes de que hubiera categorías de hip-hop en los GRAMMY, Run-DMC fue nominado a Mejor interpretación de R&B por un dúo o grupo con voz en los GRAMMY de 1987 por su álbum de 1986, Raising Hell. Después de lanzar siete álbumes y protagonizar las películas fundamentales de hip-hop Krush Groove y Tougher Than Leather, Run-DMC se convirtió en los primeros raperos en recibir el Lifetime Achievement Award de la Academia de la Grabación, un honor que recibieron en 2016.

Después de sobrevivir décadas en las que el mundo insistía en que el hip-hop era una moda pasajera que se desvanecería, el curso natural de Run-DMC se vio interrumpido cuando Jam Master Jay fue asesinado en su estudio de grabación de Queens, Nueva York, en octubre de 2002. acortó la vida física de la banda, pero Run-DMC sigue siendo un pilar inmortal en el panteón de la historia del hip-hop, un modelo para innumerables tándems de rap y una parte esencial de la cultura. - Tamara Palmer

No hay nadie como Caracortada cuando se trata de este juego de rap. Innovador en subgéneros del rap como el horrorcore y el gangsta rap, es uno de los narradores y pioneros más conmovedores del hip-hop. Tanto como miembro de los legendarios Geto Boys (uno de los grupos de hip-hop sureños más exitosos en una época en la que la atención se centraba en el rap de la costa este y la costa oeste) como como solista, demostró ser el último de un especie en extinción. Sus canciones emblemáticas, como "I Seen a Die", del álbum clásico de cinco micrófonos certificado por Source, The Diary, demostraron a los oyentes que había más capas y profundidades que experimentar en el rap.

Como líder de las listas comerciales (su álbum de 1997, The Untouchable, alcanzó el número 1 en la lista Billboard 200) y como oído de las calles en todo el país, Scarface ayudó a establecer a Houston como una capital certificada del rap y un semillero de discos independientes innovadores. etiquetas. Amado tanto por los fanáticos, estudiantes de hip-hop y críticos, 'Face ha mostrado lo que significa crear un cuerpo de trabajo completo que se destaca por encima de sus predecesores. Es uno de los mejores en hacer que el ambiente se mueva dentro de la melodía. Más allá de los éxitos de sus álbumes con certificación de platino y oro, también se destacó por combinar visión para los negocios con visión artística: como presidente de Def Jam South a principios de la década de 2000, ayudó a fomentar la carrera de Ludacris y otros raperos sureños en ascenso. Hoy en día, su influencia continua llega tanto a los veteranos modernos como el Juego como a las estrellas de la próxima generación como Isaiah Rashad. —Kevin L. Clark

Pocos artistas musicales han mostrado la versatilidad y las evoluciones profesionales de décadas del prolífico multifacético Snoop Dogg. Originario de Long Beach, California, su carrera de rap despegó en 1992 cuando su hermanastro Warren G, famoso por "Regulate", le regaló uno de sus mixtapes a Dr. Dre. Recién salido de su paso por NWA, Dre reconoció el potencial del joven rapero y lo invitó al estudio, donde estaba grabando temas para The Chronic, para una audición. Snoop aprovechó el momento y conquistó: aparece en 11 de las canciones del álbum clásico, incluido el prolífico y exitoso sencillo que lo catapultó a la popularidad, "Nuthin' but a 'G' Thang".

Aún fuerte décadas después, el influyente rapero ha vendido más de 37 millones de álbumes en todo el mundo y ha lanzado 19 álbumes de estudio e innumerables colaboraciones entre géneros. La personalidad relajada de Snoop y su jerga distintiva de la costa oeste se han convertido en sellos distintivos de su carrera musical. Su expansión a otras actividades empresariales y artísticas, que incluyen películas, adquisiciones de restaurantes de comida rápida y programas de televisión con la gurú del estilo de vida Martha Stewart, y el impacto en su comunidad se encuentran entre las principales razones por las que ha mantenido su relevancia cultural a lo largo de tres décadas.

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Si bien su lista de logros musicales es asombrosa, la mayor contribución de Snoop al hip-hop radica en su capacidad para infundir auténticamente elementos de su vida en espacios no musicales. Simplemente manteniéndose fiel a sí mismo, el legendario rapero ha ayudado a legitimar aún más el hip-hop como una forma de arte con impacto y reconocimiento global, influyendo simultáneamente en la industria musical y en personas a través de fronteras internacionales.

E incluso ha dejado su huella en el idioma inglés. Utilizando su estilo característico "izzle" (p. ej., "fo shizzle" que significa "seguro"), que se originó en el norte de California y fue popularizado por grupos de rap del Área de la Bahía como E-40 y 3X Krazy, Snoop ha creado una serie de canciones pegadizas y frases memorables. Este desarrollo del "lenguaje" del rap ayudó a innovar distintos estilos de rap y solidificó su lugar como un ícono evolutivo. - Desiree Bowie

Soulja Boy tuvo un impacto duradero en la cultura hip-hop con su primer sencillo. Como uno de los primeros de una ola de artistas que utilizaron la cultura de Internet para promocionarse directamente ante sus fanáticos, el nativo de Chicago creó la primera verdadera sensación del rap en Internet con "Crank That (Soulja Boy)". La canción, impulsada por letras simplistas, un ritmo pegadizo y un gancho ineludible, se disparó en todo Internet global a través de su danza viral complementaria. Al subvertir el canal entre el sello y la audiencia, Soulja Boy aprovechó herramientas como YouTube y MySpace para impulsar su popularidad y conectarse directamente con nuevos oyentes. Millones de personas vieron el vídeo musical de la canción en YouTube, donde ha acumulado más de 556 millones de visitas hasta la fecha, y lo compartieron ampliamente en las redes sociales.

La fórmula innovadora funcionó: "Crank That (Soulja Boy)" encabezó la lista Billboard Hot 100 durante varias semanas, estableció un récord de descargas digitales con más de 3 millones de unidades vendidas y aseguró una nominación al GRAMMY como Mejor Canción de Rap en los GRAMMY 2008.

Soulja Boy demostró que los detractores de un solo éxito estaban equivocados. Su segundo álbum, iSouljaBoyTellem, presentó clásicos de la década de 2000 como "Kiss Me Thru the Phone" con Sammie y "Turn My Swag On", mientras que su táctica de base marcó el comienzo de una nueva era de participación de los fans y contenido generado por los usuarios, creando una fórmula que aún se utiliza. por artistas de próxima generación conocedores de Internet como Lil Nas X y la industria musical en general para comercializar los éxitos del hip-hop de hoy. —Victoria Moorwood

Timbaland, nativo de Virginia, pasó desde mediados hasta finales de los 90 cultivando un sonido experimental que combinaba patrones de batería futuristas con técnicas de muestreo únicas. Cuando no estaba traspasando los límites sonoros de artistas de R&B como Aaliyah y Ginuwine, el cuatro veces ganador del GRAMMY demostró que su creatividad también podía extenderse al hip-hop.

No hay mejor ejemplo que su legendaria serie de álbumes revolucionarios producidos para su compañera pionera de Virginia Missy Elliott, incluidos Supa Dupa Fly, Da Real World, Miss E… So Addictive y Under Construction. Timbaland incluso ayudó a marcar el comienzo del subgénero del rap country gracias a su trabajo de producción en el álbum de fusión hip-hop/bluegrass Deliverance de Bubba Sparxxx. Con el tiempo, se expandiría a lo largo y ancho de los géneros para crear megaéxitos con artistas pop que van desde Nelly Furtado hasta Justin Timberlake. Entre ese tiempo, continuó trabajando con raperos legendarios, incluidos LL Cool J, Jay-Z, Snoop Dogg, Ludacris, Lil' Kim y muchos más.

A lo largo de los años, ha trabajado en múltiples álbumes clásicos, que le han valido nominaciones a Álbum del Año GRAMMY, incluidos Beyoncé, Justified y FutureSex/LoveSounds de Timberlake, The Diary Of Alicia Keys y Under Construction de Elliott. Timbaland también fue nominado como Productor del Año, No Clásico en los GRAMMY 2008.

Ahora, Timbaland está poniendo producción de calidad fácilmente disponible para aspirantes a artistas y productores a través de su servicio BeatClub, mostrando cuán indispensable e intergeneracional es la mente creativa de Timothy Mosley para la cultura. —Ural Garrett

Wu-Tang Clan fue uno de los grupos fundamentales del rap, tanto por su impacto en la cabina como en la sala de juntas. Enter The 36 Chambers, su álbum debut de 1993, vio al superproductor RZA unir a nueve de las personalidades más singulares del rap para crear una explosión como un rayo en una botella. El equipo intercambió compases ágiles y filosofías pro-negras sobre una combinación discordante de ritmos fuertes y muestras de películas de artes marciales, con cada voz y estilo de rima completamente diferente al anterior. Pero después de su llamado a las armas, revolucionaron el juego con sus imperios comerciales: The Wu fue el primer grupo en el que sus miembros firmaron acuerdos en solitario con diferentes sellos.

A partir de ahí, le dieron un nuevo significado al término divide y conquistarás: RZA, GZA, Ol' Dirty Bastard, Inspectah Deck, Raekwon, U-God, Ghostface Killah, Method Man, Cappadonna y Masta Killa continuarían lanzando clásicos. discos a lo largo de los años, todos ellos ganando distintos lugares en el salón de la fama del rap. En las décadas siguientes, se reunieron en ocasiones para duplicar la magia del grupo de formas nuevas y creativas.

Después de eso, cambiar el juego se convirtió en parte del libro de jugadas de Wu-Tang Clan. Líneas de ropa, videojuegos, programas de televisión: lo que sea, los Wu lo probaron y probablemente lo superaron. En 2015, crearon Once Upon A Time In Shaolin, un álbum de una sola copia que se vendió en una subasta a un ejecutivo de farmacia por más de $1 millón de dólares... antes de que ese ejecutivo fuera arrestado y encarcelado, y el disco fue confiscado por la policía. gobierno en el proceso. Oh bien. Wu-Tang Clan ha hecho historia muchas veces y, antes de que todo esté dicho y hecho, es probable que lo vuelvan a hacer. —William E. Ketchum III

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La siguiente es una lista de artistas que nos gustaría celebrar además de los artistas que aparecen en nuestra lista de 50 artistas que cambiaron el rap. Presentadas por nuestro panel de la industria, estas menciones honoríficas han impactado al hip-hop de maneras inconmensurables.

Beastie Boys

L grande

Gran juego de palabras

Busta rimas

Cardi B.

DJ Premier

DJ Quik

DMX

fugitivos

chicos geto

Caso del gran maestro

Los chicos calientes

bombo williams

Cubo de hielo

J Cole

Juvenil

niño cudi

KRS-Uno

MC Lyte

nelly

príncipe pablo

Reina Latifah

Hombre rojo

Salt-N-Pepa

Escolar D

Tres 6 mafia

Girar

ugk

MC ultramagnéticos

Wiz Khalifa

Los artistas que aparecen en la lista de 50 artistas que cambiaron el rap de GRAMMY.com fueron compilados a partir de presentaciones de artistas enviadas por un panel de expertos en rap de la industria, que incluye:

Andrew Barber, propietario, Fake Shore Drive

April Reign, asesora principal de entretenimiento y medios, Gauge

Carl Chery, director creativo, jefe de área urbana, Spotify

Datwon Thomas, editor en jefe, VIBE

Jeff Weiss, editor, Pasión de Weiss

Jeff y Eric Rosenthal, copropietarios de ItsTheReal

Justin Hunte, periodista de music360, BTSN

Justin Tinsley, reportero senior de deportes y cultura, Andscape

Kathy Iandoli, autora de 'God Save The Queens: The Essential History of Women In Hip-Hop' y coautora de 'Lil' Kim's The Queen Bee'

Kevin L. Clark, Subject To Change LLC, Productor / The Recording Academy/GRAMMY.com, Escritor colaborador

Mankaprr Conteh, periodista cultural y redactor de Rolling Stone

Meka Udoh, cofundador de 2DopeBoyz / Ingrooves Music Group

Miles Marshall Lewis, autor

Naima Cochrane, periodista musical y cultural

Roderick Scott, vicepresidente, estrategia de marketing, Republic Records

Shaheem Reid, periodista legendario

Shamira Ibrahim, escritora y crítica cultural

Shawn Setaro, escritor independiente y podcaster

Sowmya Krishnamurthy, autora de 'Fashion Killa: cómo el hip-hop revolucionó la alta costura'

Ural Garrett, periodista independiente

William E. Ketchum III, periodista musical y cultural

Yoh Phillips, documentalista y periodista musical, Rap Portraits

Zini Tahsini, programador editorial de hip-hop, Apple Music

La lista de 50 artistas que cambiaron el rap de GRAMMY.com fue concebida y desarrollada por:

Juan Ochoa:Editor jefe de medios digitales de la Academia de la Grabación

Kevin L. Clark:Colaborador de GRAMMY.com desde hace mucho tiempo, creador de tendencias de hip-hop, guionista y fundador de Love, Peace & Spades, una serie nocturna de juegos bastante espectacular.

Len Brown:Gerente Senior de Proyectos de Premios y Gerente de Géneros Rap, Reggae y R&B para la Academia de la Grabación

Seis artistas que ampliarán los límites del hip-hop en 2023: Lil Yachty, McKinley Dixon, Princess Nokia y más

Imagen cortesía de la Academia de la Grabación

La nueva serie Hip-Hop Re:Defined le pide a un artista que interprete una versión original en vivo de una canción clásica de hip-hop. La serie se lanza el 9 de agosto.

La Academia de la Grabación ha estado celebrando el 50 aniversario del hip-hop durante todo el año; ahora se une a la celebración a través de su gran cantidad de contenido de video.

En honor al 50 aniversario del hip-hop, GRAMMY.com ha creado una serie limitada en línea, Hip-Hop Re:Defined, una serie que rinde homenaje a algunos de los grandes éxitos del hip-hop. En esta nueva serie, los artistas interpretarán una versión original en vivo de una canción clásica de hip-hop.

Esta serie de 10 episodios se lanza el 9 de agosto. Armani White, Bizzy Banks y Asha Imuno se encuentran entre los artistas incluidos en Hip-Hop Re:Defined.

Los artistas podían elegir una canción ganadora o nominada al GRAMMY, pero el hip-hop existió durante 15 años antes de que la Academia le creara una categoría, por lo que los artistas podían elegir entre todo el catálogo de hip-hop.

Hip-Hop Re:Defined se publicará semanalmente durante seis episodios y luego comenzará a publicarse cada dos semanas durante el resto de la serie.

Las presentaciones se publicarán en GRAMMY.com, así como en el canal de YouTube, Facebook e Instagram de la Academia de la Grabación, con soporte adicional de Twitter. ¡Mire este espacio mientras esta serie limitada florece y se desarrolla al servicio de una forma de arte estadounidense por excelencia!

Escuche la lista de reproducción del 50 aniversario de hip-hop de GRAMMY.com: 50 canciones que muestran la evolución del género